En la mayoría de los casos el espectador asimila al animal de una forma natural y no le genera ningún tipo de sorpresa. Los vaqueros siempre viajan a caballo, los caballeros medievales luchaban a lomos de sus corceles y todos los faraones, reyes y emperadores eran expertos jinetes y tenían los mejores caballos. Así si nos paramos a pensar en el cine: ¿qué sería de Ben –Hur sin la carrera de cuadrigas? ¿qué sería del western sin John Wayne o Clint Eastwood galopando por las llanuras del desierto? ¿Hubiera Indiana Jonesencontrado El Arca perdida  si en vez de a caballo hubiese ido a pie?.

Características de un “caballo artista”.

La elección de un caballo para una película es como la elección del propio jinete, sobretodo si ambos van a jugar un papel relevante dentro del filme. A la hora de seleccionar al animal será el propio director con la ayuda de un experto del mundo equino los que escojan al caballo que más se aproxima a la idea del guión. También cabe la posibilidad de que el director delegue la responsabilidad del casting a dicho experto atendiendo siempre a las necesidades del guión (color, perfil, necesidad de adiestramiento especial, necesidad de doma, etc.). Llegados a este punto, no hay que olvidar que un caballo puede tener muchas connotaciones subjetivas para el espectador. Así, por lo general, el caballo del malo de un western tenderá hacia colores oscuros como castaño oscuro o negro, mientras que el caballo del héroe tenderá siempre hacia colores más claros como los de capa torda. También hay que destacar que no es lo mismo escoger un caballo para escenas de acción, que un caballo salvaje para estar galopando por una pradera como en Vidas rebeldes (The Misfits, 1961 – director: John Huston).

El rodaje de una película es costoso y pretende la perfección en cada plano. Por eso, hasta conseguir ese plano ideal se rueda muchas veces la misma escena. De modo que la posición inicial se repite en sucesivas ocasiones. Para una mejor comprensión de esto bastará con poner un ejemplo gráfico de este hecho y lo que influye en el caballo: El Séptimo de Caballería está parado en formación esperando la señal para atacar. El general desenvaina su espada y grita en una elevada: ¡Al Ataque! Este suceso que parece tan simple implica que 50 jinetes perfectamente uniformados estén a lomos de sus caballos y preparados para rodar, que permanezcan en una formación delimitada y específica para verlos a todos en el cuadro, que el general haga una elevada y que todos los caballos salgan al galope al mismo tiempo, es decir, cuando el director da la acción y después de haber ejecutado este “ejercicio” una vez repetirlo un número indefinido de veces hasta que el director quede satisfecho. Luego la acción se repetirá para tomar distintos puntos de vista: todo el pelotón, otro plano individual para el general y su caballo, otro plano de las patas de los caballos al galope, planos individuales del resto del escuadrón, y todos los que el director haya ideado para completar una secuencia perfecta de carga.

Por otro lado, hay que atender a la naturaleza asustadiza de los caballos que en las películas del Oeste no tiene cabida. Así, un “caballo artista” tiene que estar acostumbrado a los sonidos estridentes como disparos, los careos con otros caballos (encontrarse de frente con otro de su especie) y sobretodo a tener un adiestramiento específico para las escenas de lucha y guerra donde su jinete puede resultar herido o ellos mismos recibir un disparo. Ese caballo deberá caer al suelo y permanecer muerto unos instantes o salir de la escena él solo. Todo esto ocurrirá cuando un jinete les acompaña pero hay otros casos en los que el caballo es directamente el protagonista y realiza una serie de acciones por si mismo como enEl corcel negro (The Black Stallion, 1979 – director: Carrol Ballard).

Los inicios del cine: los caballos como protagonistas.

Antes de que los hermanos Lumière (Louis 1864 – 1948 y Auguste 1862 – 1954) inventasen el cinematógrafo (cámara de cine) tal y como lo entendemos hoy en día, hubo múltiples inventos cuya pretensión fue dar movimiento a la imagen. No hay que olvidar que el cine es heredero directo de la fotografía y el desarrollo de ésta facilitó el trabajo al Séptimo Arte. En relación con los caballos y el cine es digno de mención un hecho que aconteció en 1878. Eadweard Muybridge (1830 – 1904) fue un fotógrafo británico que hizo su carrera en Estados Unidos. Animado por una apuesta de 25.000 dólares demostró que en un momento del galope de un caballo ninguna de sus patas toca el suelo. Para ello dispuso 24 cámaras en una línea recta cuyos disparadores estaban accionados por unos hilos que el caballo impulsaba en su carrera. Montó sus fotografías en el zoopraxiscopio: un invento de la época  que reproducía la sucesión de fotografías y parecía que en realidad el caballo se encontraba en movimiento. Con este invento consiguió registrar el vuelo de aves, caballos y animales en general. Se pudieron ver por primera vez imágenes reales en movimiento. Así publicó The Attitudes of Animals in Motion y Animal Locomotion.Fueron 11 volúmenes con más de cien mil fotografías dedicadas al mundo animal. Esta fue una de las primeras apariciones de un caballo en movimiento.

Posteriormente en EEUU con Thomas A. Edison, los americanos comenzaron a dar sus primeros pasos en el western. Por lo que el caballo desde los primeros ensayos de cine mudo fue uno de sus astros. Así cuando la gente por fin comenzó a ser espectador de historias de ficción y no de documentales, y los actores comenzaban a ser estrellas siempre se les asociaba el mismo corcel. De este modo, todo el mundo sabía que: Ken Maynard montaba a “Tarzán”,Buck Jones a “Silver”, William S. Hart en “Fritz” y Tom Mix sobre“Tony”. Todos ellos se convirtieron en expertos de este género.

Por otro lado, durante esta época directores como David W. Griffith (Floydsfork, Kentucky, 1875; Los Ángeles, California, Estados Unidos) o Sergei M. Einsenstein (Riga, Letonia, 1898; Moscú, Unión Soviética, 1948) utilizaron a los caballos para grandes cargas o persecuciones en películas como El nacimiento de una nación (1915) o La huelga(1923) respectivamente. En la primera, los miembros del KKK (Ku-Kus-Klan) cabalgaban a lomos de sus corceles blancos ataviados con las túnicas también blancas durante la Guerra de Secesión. En la segunda, los cosacos cargan sobre los huelguistas con los caballos. En ambos casos los caballos dan una superioridad a los jinetes frente a los hombres y mujeres que van a pie.

En el fondo, yo también opino, como la ministra, que los gustos del público tienden a lo pedestre, mas eso no justifica, en ningún caso, que la labor de un político sea echar balones fuera y elegir un chivo expiatorio que, por si fuera poco, resulta tópico y manido. Qué menos que un poco originalidad cuando se pretende escurrir el bulto. Maniobras de distracción aparte, la excusa aducida por Carmen Calvo es de todo punto insuficiente para explicar esta situación anunciada y agónica, cuanto más para paliarla, pues la colonización cultural norteamericana a la que alude repercute por igual en todo Occidente y, sin embargo, sus efectos se dejan sentir con más intensidad en nuestro territorio.

Lo primero que habría que hacer es preguntarse de qué modo estamos imbuidos e influidos por la cultura exportada desde los EE.UU.; y lo segundo, si eso es realmente malo. Cualquier persona que tenga un poco de criterio considerará que películas (por darlas un nombre) como ‘American Pie’ o ‘Road Trip’ son mediocres, y que el hecho de que obtengan altos ingresos en taquilla es un pésimo síntoma. Ahora bien, ¿acaso puede decirse que filmes vernáculos como ‘Torrente’ o ‘Isi/Disi’ tienen un guión más inteligente? Es evidente que no y, aun así, son a la postre las que más espectadores arrastran a las salas de cine. Por lo tanto, la primera conclusión es que, así como las películas norteamericanas más vistas son las más banales, así también las producciones españolas más exitosas son las que se realizan a imitación de aquéllas. En este tipo de cine, que podríamos denominar escatológico, lo que prima es el humor de brocha gorda confeccionado a partir de esputos y regüeldos. Por desgracia, esto es lo que más atrae al público, no sólo español. No conviene obviar que cada película cumple una función determinada, y que lo que busca la mayoría de espectadores cuando va al cine es pasar un momento divertido. Las disquisiciones filosóficas no abundan en el mercado cultural, y en eso el cine no es una excepción. No obstante, el mercado es tan heterogéneo que todos los intereses tienen cabida. Alguien que sostenga que no hay cine de autor es que tiene una venda en los ojos. Siempre lo ha habido y siempre lo habrá, y si no, ahí están los Lars von Trier, David Lynch, Martin Scorsese o, por poner un ejemplo cercano, Julio Medem.

De todo lo dicho, se colige que un efecto deletéreo que ha tenido la colonización cultural de los EE.UU. sobre nuestro cine es la proliferación de películas que remedan su temática vulgar. Ésta es una consecuencia que flota en la superficie, pero hay otra que está más oculta y que es tan o más importante. Me refiero, en concreto, al desplazamiento del cine por las series de ficción. Aunque la televisión no consiguió acabar con el cine, sí que absorbió buena parte de su mercado. Desde luego, cuenta con dos grandes ventajas frente a aquél: no hay que pagar por ver (me centro en el caso español, no en el de otros países como Francia donde se paga un canon) y no hay que salir de casa. En España se ha hecho una apuesta muy fuerte por las series, que implican menos costes que las películas y que son más rentables. Un botón de muestra es Telecinco, que hace poco decidió invertir buena parte del presupuesto destinado a comprar derechos de emisión de filmes en el fomento de series, que tan buenos resultados económicos le están dando desde que se estrenara ’7 Vidas’. Imagino que el resto de cadenas privadas (y quién sabe si también públicas) no tardará en seguir el ejemplo preconizado por Alejandro Echevarría y Paolo Vasile, adalides del interés pecuniario. De hecho, la productora de José Luis Moreno, Miramon Mendi, ya ha anunciado su intención de crear otra serie a la estela de ‘Aquí no hay quien viva’, revelación catódica y producción líder de Antena 3. Así no es de extrañar que se quejen de las subvenciones al cine que el Gobierno les impone, que para ellos no son más que pérdidas.

El auge de las series es un reflejo de lo que viene ocurriendo en EE.UU. desde la década de los setenta con series precursoras e innovadoras como ‘Cheers’, ‘Luz de Luna’, ‘Friends’ o la más reciente ‘C.S.I.’. Esto repercute en el cine de dos maneras: por un lado, le resta público y financiación; y, por otro lado, ante la imposibilidad de hacerles la competencia, las películas se transforman en un género espurio a mitad de camino entre una y otra. Sendos ejemplos de esta hibridación lo constituyen ‘El otro lado de la cama’ y ‘Días de fútbol’, ambas con guión de David Serrano, que es el autor de este vitando mestizaje. Que el cine se vea abocado a una realización deudora de las series televisivas es, sin duda, muy negativo desde el punto de vista de la calidad, y más aún cuando las series modelo son ‘Los Serrano’ y ‘Aquí no hay quien viva’, auténticos blockbuster de la pantalla pequeña, pero cuyos guiones son mediocres y aun execrables a nivel ético. Buena culpa del estado de las cosas la tiene ’7 Vidas’, cuyo equipo de guionistas es considerado por muchos como la quintaesencia del ingenio, pero que a mi juicio sólo pergeña chistes fáciles y pretendidamente buidos. Si al menos se imitara a las series clásicas de los EE.UU., estas películas espurias serían un poco más dignas. En resumen, se puede decir que hemos asimilado mal la herencia norteamericana, transformándola en una materia corrompida.

El capítulo interpretativo también encuentra eco en este fenómeno contemporáneo. Nos hemos acostumbrado a ver desfilar a los mismos actores tanto en el cine como en la televisión. Quizás el paradigma más representativo de esto sea Fernando Tejero, aunque hay otros actores como Carmen Machi que no le van a la zaga, y que a buen seguro no tardarán en dar el salto al cine. Su ubicuidad puede llegar a ser agobiante. ¿De verdad los actores curtidos en los platós de televisión son aptos para el cine? También cabe la pregunta inversa: ¿todos los actores que han trabajado en el cine pueden adaptarse al formato televisivo? En este caso, se supone que la necesidad aprieta, y en nuestro país y eligiendo como oficio el de actor, no te queda más remedio que trabajar en televisión aunque no te guste lo que haces (porque ésa es otra: no se sabe de ningún actor de adscripción netamente cinematográfica que menosprecie a las series televisivas cuando ha trabajado en ellas; ¿habrá una especie de omertá?). En los EE.UU. estos flujos entre medios audiovisuales se suelen saldar en fracaso, como lo demuestra la escasa aceptación que el popular reparto de ‘Friends’ ha encontrado en el cine.

Si nos atenemos al plano estrictamente cinematográfico, veremos que sólo hay dos directores españoles que han triunfado a nivel internacional: Almodóvar y Amenábar. El primero debe su prestigio, granjeado principalmente entre los círculos intelectuales más liberales de los EE.UU. y de Francia, a que desde fuera se piensa que su visión de España es fiel a la realidad, lo cual es de una ignorancia supina. El segundo, por el contrario, ha hallado la fórmula del éxito en el seguimiento de los cánones norteamericanos. Por lo tanto, si para los extranjeros el cine de Almodóvar es la sublimación de la cultura española y el de Amenábar es una extensión muy lograda del cine estadounidense, ¿a qué pueden aspirar los demás cineastas? El Instituto de la Cinematografía ya fracasó estrepitosamente cuando intentó exportar a Hollywood a Fernando León de Aranoa como candidato a Mejor Película de habla no inglesa por ‘Los lunes al sol’, no superando ni siquiera la primera criba. Es bien sabido que para lograr el reconocimiento en tu tierra antes necesitas consagrarte fuera. Así las cosas, el panorama es poco halagüeño.

Quizá la solución pase por crear un cine original alejado de los modelos caducos contagiados por la televisión que recupere el interés perdido, aunque para ello también se precise de un cambio en la mentalidad del público. Mientras nadie tome medidas para atajar esta situación, habrá que esperar a que otro ‘Mortadelo y Filemón’ congregue a miles de espectadores en las salas de cine y, en el ínterin, algunos de nosotros suspiraremos con nostalgia recordando aquellos agudos guiones que firmaba Billy Wilder.

Mira que somos raros, pijoteros y previsibles. Resulta curioso, aunque no tanto si pensamos un rato en la crispación que flota en el ambiente, que en los resúmenes sobre la gran cita anual del cine español se hable de casi todo menos de cine. El análisis de los atavíos de las damas y caballeros que asistieron a la última gala de los premios Goya ha ocupado en los medios probablemente más espacio que la enumeración de las bondades de las películas premiadas. Y ni comento, para no aburrir, la polvareda levantada por los mohines reivindicativos que, mirando a cámara, realizaron algunas gentes del gremio parapetadas tras el atril de la ceremonia de entrega como quien se encarama a un púlpito para proferir una homilía vitriólica, aunque no tanto, porque la letra de su cantinela era reiterativa y conocida.

Que conste que allá cada cual con sus protestas, sus contradicciones y su libertad de expresión, y también que no es necesario ser un lince de la prospección social para entender que hay motivos de sobra para alimentar un descontento popular bastante generalizado. Aunque resulta chusco –abro el turno de la inevitable demagogia– que haya quien, empaquetada en un conjunto Dior de más de 8.000 euros del ala, cargue contra un producto, las hipotecas, del que ella misma ha sido imagen publicitaria; habrán adivinado que me refiero a una formidable actriz, Maribel Verdú. Y que Javier Bardem, por citar a otro soberbio actor, exhiba solo en España su faceta reivindicativa y se olvide de ella en cuantito que lo invitan a un sarao en Hollywood. Por no hablar de la deriva unidireccional de las protestas, que colocan en la diana a los gobiernos conservadores y se truecan en églogas esperanzadas y comprensivas, o en silencio cómplice, si, pese a que también haya motivos de crítica, la Administración es suavemente de izquierdas. Ya saben: viva la democracia si ganan los míos, y qué asco de sistema corrupto y quebrado si son otros a quienes las urnas encomiendan los destinos de la nación. Un síndrome incurable con ejemplos sobresalientes como el de las ilustres y combativas damas progresistas que, en el gozne entre los años 20 y 30 del pasado siglo, se oponían al sufragio femenino en España argumentando que muchos de esos hipotéticos votos de las mujeres irían a parar a partidos de la derecha.

Pero, discúlpenme, estoy cayendo en lo mismo que denunciaba al comienzo de estas líneas y dando la tabarra, ya casi a toro pasado, con argumentos y opiniones agotadoramente masticados durante los últimos días. Ya les dije que somos pijoteros y previsibles. En el título les invitaba a que habláramos de cine, que es lo que menos se ha hecho en esta edición goyesca, así que, si les parece, me voy a poner a ello. Pese a la horrible situación económica que atravesamos, en la cosecha de películas españolas del pasado año hay un buen puñado de títulos notables. Ciñéndonos a los Goya, lo son las cuatro cintas más afortunadas en el reparto de galardones y una que se ha ido de vacío, ‘El pintor y la modelo’ de Fernando Trueba, lo que no obsta para que sea un trabajo emocionante y admirable sobre la creación artística crepuscular sabiamente confrontada con la pujanza de la juventud, desbordante e incontaminada desde una perspectiva cultural.

‘Blancanieves’, encaramada en lo más alto del palmarés con sus diez bustos del gran sordo de Fuendetodos, es una rareza y un desafío, una propuesta estética de gran exigencia y un ejemplo de tenacidad e inteligencia. Original la idea de Pablo Berger, director, guionista y uno de los productores, de trasladar a la España de los años veinte y al planeta taurino el cuento de los hermanos Grimm revisitando la gran herencia del cine expresionista alemán y una exquisitez siniestra de muchos quilates cinematográficos: ‘Freaks’, del gran Tod Browning; tiñendo el filme de claroscuros solanescos, buceando en la selva de los tópicos nacionales, y eligiendo como mascarones de proa del proyecto a los actores precisos y preciosos…

Estupenda es también la apuesta desacomplejada de ‘Lo imposible’, superproducción de talante hollywoodiense con todos los pros y los contras que tal aspecto pueda acarrear. Juan Antonio Bayona ha sabido embridar en ella el temblor de la emoción y el apabullante despliegue técnico de los efectos especiales, justamente distinguidos, igual que él lo ha sido como director y también los trabajos de sonido, montaje y dirección de producción hasta completar un balance de cinco estatuillas, lo que no está nada mal. Esta película abre un camino por explotar por parte de los profesionales españoles, que empiezan a ser cotizados internacionalmente por su talento y sus conocimientos fílmicos.

Algo parecido ocurre con ‘Las aventuras de Tadeo Jones’, que con tres Goya certifica el gran nivel alcanzado por la animación española, un hecho anticipado hace cuatro años por ‘Planet 51′. Además de ser, junto a ‘Lo imposible’, uno de los títulos más taquilleros de nuestro cine, la película de Enrique Gato, merecidamente premiado como mejor director novel, es muy entretenida, rebosa sentido del humor y dominio del ritmo cinematográfico y tiene un guión que, aún siendo una cinta concebida para el público familiar, se aparta del tono habitualmente ñoño que suelen tener las producciones pensadas para esa porción de los espectadores.

Finalmente, ‘Grupo 7′, aunque solo obtuviera dos premios de la pedrea –el de Julián Villagrán como mejor actor de reparto y el de Joaquín Núñez como actor revelación–, es un sólido ‘thriller’ policial, enriquecido con vigorosos apuntes realistas, sobre una brigada antinarcóticos encargada de ‘limpiar’ Sevilla, sin reparar en lo expeditivo de sus métodos, unos meses antes de que allí se celebrara la Exposición Universal de 1992. Pocos directores actuales pueden presumir de un pulso narrativo similar al que demuestra Alberto Rodríguez, director de una película que cuenta con un compactísimo reparto en el que, además de los galardonados, sobresalen Antonio de la Torre, Mario Casas y Estefanía de los Santos.

Una completa ración de cine para hablar de él y ver en salas si aún no se ha hecho y se tiene la oportunidad de hacerlo, y también para rescatar en DVD cuando proceda. Como el teatro, el cine nos refleja y nos explica. Algo muy útil en los momentos que vivimos y que sería necedad despreciar o no tener en cuenta con ese gesto de suficiencia de quienes sostienen como un mantra hueco que el cine español no lo ve nadie y en él se entierran millones de subvenciones desaprovechadas. No es verdad, o al menos no como norma. Basta un vistazo a estas buenas películas para comprobarlo.

No se que se esconde detrás de la política de precios, pero por ejemplo, si cobras la entrada a 5 euros y van 20 personas, ganas 100 euros, pero si cobras la entrada a 2 euros, irán seguramente 50 personas, y acabarás ganando el mismo dinero teniendo más gente en las salas y fomentando el cine, que es lo más importante.

La verdad es que no entiendo nada….

Vuelve la Fiesta del Cine. La novena edición de esta iniciativa tendrá lugar en toda España los días martes 3, miércoles 4 y jueves 5 de noviembre, han informado los organizadores. Durante esos días los espectadores podrán ver películas en las salas adheridas a la promoción por 2,90 euros, para ello deberán mostrar una acreditación.

Las acreditaciones pueden obtenerse a partir de este miércoles en esta página web para disfrutar de un precio reducido por entrada durante los tres días del evento. Los menores de 14 y los mayores de 60 años no tendrán que acreditarse para participar.

Tras multiplicar su éxito durante varias ediciones, hasta la afluencia récord de 2,2 millones en octubre de 2014, la VIII Fiesta del Cine se quedó el pasado mayo en 1.598.720 entradas vendidas, con un descenso de 600.000 respecto a la anterior. De ahí que ahora la IX cita servirá también para despejar dudas: ¿la Fiesta del Cine ha tocado techo o todavía tiene margen de mejora? “Tenemos que acostumbrarnos a que haya Fiestas del cine con más espectadores y otras con menos. Consideramos que el objetivo mínimo para que el balance sea positivo es alcanzar un millón de entradas. Toda fiesta que lo logre será satisfactoria”, explicaba en mayo Borja De Benito, portavoz de Fece (la Federación de los Exhibidores). Y subrayaba que las aspiraciones también dependen del periodo del año: “En la IX, en otoño, el objetivo será de nuevo los dos millones, y se va a conseguir, estoy segurísimo”.

Cómo adquirir la entrada

Como es habitual, se podrán seguir comprando las entradas para la Fiesta del Cine por tres canales de venta diferentes: taquilla, cajeros de venta de entradas situados en los halls de los cines y plataformas habituales de venta por Internet. Quienes adquieran sus entradas en taquilla, deberán mostrar la acreditación en el momento de la compra, mientras que aquellos que adquieran sus entradas en los cajeros o en Internet deberán mostrar la acreditación  en el punto de control de acceso a la sala.

Los espectadores podrán disfrutar de una amplia variedad de películas. Durante esos tres días, la cartelera contará con la última película de directores españoles de reconocido prestigio como Alejandro Amenábar o Alex de la Iglesia, los nuevos trabajos de actores y directores internacionales como Woody Allen, Ricardo Darín, Hugh Jackman, Matt Damon, Guillermo del Toro, Johnny Depp. Amama, Black Mass, Del Reves, El Becario, El Cadaver de Anna Fritz, Irrational Man son algunas de las películas que estarán disponibles.

Con este evento, organizado por la Confederación de productores audiovisuales españoles (FAPAE), la Federación de Distribuidores de Cine (FEDICINE), la Federación de Cines de España (FECE) y elInstituto de la Cinematografía y de las Artes del Audiovisual (ICAA), se busca fomentar la asistencia a salas de cine como un hábito social y cultural.

En octubre del año pasado, la Fiesta del Cine superó los dos millones de espectadores y las salas recaudaron 6.3 millones de euros.

El exorcista

Debo confesar que cuando tenía once años y estaba leyendo esta novela de William Peter Blatty tuve la mala suerte, o buena (aún no lo sé), de sufrir un corte de luz en casa, justo cuando estaba en la mejor parte, lo que me asustó al tiempo que me hizo vivir intensamente el final de la novela. El exorcista de William Friedkin tiene todas las cualidades para hacerte sentir lo mismo que al leer el libro.

Lo que el viento se llevó

Lo que el viento se llevó es un libro extenso de cientos de hojas donde Margaret Mitchel nos hizo sentir parte de Tara y de la historia que envuelve a esta plantación junto a Scarlett O’Hara y Rhett Butler. La película de 1939 nos presenta una argumentación que respeta cada detalle de la historia de amor-odio que hizo popular a la novela.

La milla verde

Esta película de 1999 nos sumerge en cada uno de los detalles que nos entregó el icónico Stephen King en la novela del mismo nombre, La milla verde. Siempre se ha debatido si la película, protagonizada por Tom Hanks y Michael Clarke Duncan, llegó a ser más popular que la novela.

El Padrino

Cuyo título original es The Godfather, nos cuenta la historia de la familia Corleone basada en el libro homónimo de Mario Puzo. Si hay que elegir una mejor adaptación, posiblemente ésta se llevase al gato al agua.